Cuando la producción de Robert Hastie de la obra de Shakespeare Aldea Inaugurada en el Teatro Nacional, tanto la crítica como el público quedaron inmediatamente impresionados por la pura audacia de la escenografía.
Sobre toda la acción se elevaba un colosal mural pintado a mano, un vertiginoso collage de arte histórico danés, con un toque teatral.
El hombre detrás de todo esto es Ben Stones, un diseñador conocido por su estética abstracta y divertida, pero que aquí adoptó un hiperrealismo complejo. El mural es más que una simple decoración; es una declaración dramática y metateatral. Está fusionado con los rostros reconocibles de Hamlets pasados, todos observando a su sucesor desde los muros de Elsinore. La inmensa pintura, sutilmente retorcida con los rostros de antiguos príncipes, enmarca toda la producción, asegurando que esta Aldea está constantemente consciente de su estirpe teatral.
“Fue idea de Rob desde el principio”, explica Stones. “Básicamente, enmarcó esto diciendo que a Hamlet le encanta el teatro, que es una bestia del teatro y que también es un poco más meta: sabe que está en una obra. Eso nos permitió divertirnos mucho más al hacer referencia a diferentes estilos”.
Cuando se le pregunta sobre el desafío de crear una pieza tan monumental, Stones se ríe y admite una comparación con un gran maestro. “Lo más aterrador fue el comienzo, ver su escala como un lienzo en blanco”.
No se equivoca: la pieza final es ciertamente monumental y requiere un esfuerzo hercúleo por parte del legendario departamento de arte escénico del Nacional. Stones comparte las asombrosas estadísticas: el mural tiene 26,4 metros de largo, 6,8 metros de alto (con 5,2 metros de área pintada) y tardó 920 horas en completarse.
El proceso en sí fue un profundo acto artístico, un regreso triunfal a la pintura escénica tradicional en una época dominada por la impresión digital. Stones se muestra efusivo sobre la habilidad del equipo, supervisado por Lindsay Tufnell y dirigido en técnica por Charles Court.
“La imprenta ha superado en cierto modo al arte escénico en el teatro”, señala Stones. “El Nacional tiene uno de los mejores departamentos del país y poder utilizar ese recurso fue increíble”. En lugar del método de cuadrícula tradicional, el equipo utilizó una proyección moderna para ampliar la imagen, ahorrando cientos de horas de trazado. Charles incluso “fue y estudió muchas de estas primeras pinturas para comprender la forma en que la pincelada trabajaba con ellas y sus intenciones”.
Los rostros entretejidos en la obra de arte danesa son el huevo de Pascua teatral definitivo. Si bien Stones mantiene la lista completa del elenco cerca de su pecho, confirma que están todos allí: una historia completa del papel.
“Están todos escondidos allí. Todos los que han estado en ello… incluso los Hamlets de la escuela de Tinuke Craig, los tres chicos que tocaron en esa gira. Teníamos muy claro que si incluyéramos, incluiríamos a todos los que alguna vez hayan pronunciado esas palabras en cualquier versión de este tipo de obra”.
El diseñador ve el mural como un homenaje amoroso, no como una parodia. “Es un amor por toda esta gente. Se trata totalmente de una adoración por el teatro tanto por parte de Robert como de mí. No hay ningún tipo de sarcasmo en nada de lo que hemos hecho”.
Stones revela que la icónica sala cubierta por un mural no fue el primer concepto. Él y Hastie, mientras diseñaban Aldea remotamente desde Nueva York mientras trabaja en Operación Carne Picada en Broadway, inicialmente concibió un mundo lleno de cortinas rojas.
“Teníamos la idea de que todo fuera muy teatral, y que fueran todas las cortinas rojas, lo que ocurre ahora en medio de la obra. Pero ese era el mundo”.
Sólo al regresar a Londres Stones sintió que el diseño no funcionaba del todo para la estrella del espectáculo. “No está bien, no es divertido. Siempre hemos querido que Hiran Abeysekara tuviera una especie de patio de recreo para sus ideas y su forma de actuar”.
El gran avance se produjo cuando Hastie hizo referencia a los murales de las propiedades tradicionales. Stones encontró inmediatamente el equivalente moderno que estaba buscando: Emerald Fennell’s. quemadura salada.
“Esa era la sensación que quería: aquí es como un mundo nuevo chocando contra el viejo”, explica. El diseño se instaló en una finca aristocrática, no necesariamente Elsinore, poblada por “gente no particularmente agradable que se pasea por esta antigua mansión”.
Este cambio a un escenario hiperrealista, aunque decadente, pareció un cambio para los Stones.
“Fue una ligera desviación de mi abstracción, pero fue para tratar de ser claro”, dice. Stones admite una lucha personal de larga data con Shakespeare, que influye en su filosofía de diseño. “Para mí, el diseño es puramente claro. Solo sé claro, a veces hay que ayudar a la gente cuando es su primer Shakespeare. No quiero que nadie se siente y mire un Shakespeare que estoy tocando y se quede fuera de él de por vida”.
El diseño no sólo es visualmente impresionante; Es técnicamente innovador. El enorme mural no está pintado directamente sobre madera dura, sino sobre un lienzo sujeto a un borde plano modular reutilizable con cuerdas elásticas.
“En realidad, está todo sobre un lienzo… por lo que es modular, algo nuevo para el Teatro Nacional… Simplemente lo envuelve como una prenda de vestir”, explica Stones. Este método sostenible significa que todo el set puede transportarse para un posible traslado a Nueva York sin incurrir en el costo ambiental de construir un nuevo set de madera, lo que demuestra que el alto diseño también puede ser consciente del medio ambiente.
La metateatralidad del diseño culmina en la escena de la Ratonera, donde la vasta sala con murales se transforma en un teatro crudo y contemporáneo.
“Ambos queríamos que fuera completamente opuesto al estilo que enmarca el espectáculo. Hay casi tres estilos dentro del espectáculo: está la sala, está el telón del teatro, que se vuelve un poco más abstracto, y luego está la obra dentro de la obra (durante la escena de la tumba), que es toda una forma de teatro en sí misma”, explica Stones.
El diseñador admite que en este apartado vuelve a aparecer la abstracción, pero siempre con un propósito. Al final, el decorado permanece ligeramente roto, lo que refleja la comprensión de Hamlet de que su mundo es un artificio.
“Es todo un artificio, en realidad. Estamos fingiendo que esto es una habitación, pero Hamlet sabe que está en una obra de alguna manera. Puede salir de ella y nosotros podemos romperlo todo”.
Stones se apresura a desviar los elogios por Aldeareiterando su gratitud a los artesanos que dieron vida a su visión, principalmente Tuffnell, Court, Danielle Barr, Maya Kazmarski y Lauren Jones, junto con los aprendices de pintores Jade Boycott y Lily Cleaver. “Es un enorme agradecimiento a los artistas escénicos del Teatro Nacional, porque, sinceramente, no se puede diseñar algo como esto a menos que se cuente con esa gente”.
Él espera que Aldea El diseño sirve como un vívido recordatorio del oficio. “Es un arte que ya no está en todos los teatros. Realmente lo cambia, porque no se puede editar una impresión de la misma manera que hemos estado editando este mural”.
Hamlet irá a los cines a través de NT Live a partir de enero (la gente puede encontrar entradas en el sitio web de NT Live) y irá a BAM en Nueva York en abril.
