Han pasado casi setenta años desde el estreno en 1955 de Esperando a Godot En Gran Bretaña, la película fue recibida con aburrimiento e incomprensión. Sin embargo, en esta nueva producción protagonizada por Lucian Msamati y Ben Whishaw como los dos vagabundos Estragon y Vladimir, la primera obra maestra de Samuel Beckett brilla con más fuerza que nunca.
La clave para Godot La clave está en encontrar y mantener un equilibrio entre su comedia brillante y sus matices oscuros y filosóficos. El director James Macdonald libera sus tensiones con un equilibrio perfecto, dejando que surjan su seriedad y tristeza, pero también llenándola con una sorprendente cantidad de amor.
Dos excelentes ensayos sobre el programa destacan el modo en que, cuando Beckett escribió Godot en 1948-9 (que se estrenó en 1953), aún estaba cerca de sus experiencias de la Segunda Guerra Mundial, en la que había participado en la resistencia francesa y en la que muchos de sus amigos fueron torturados y murieron. La miseria que evoca su obra, la violencia que muestra, el hambre y el despilfarro, eran cosas que él había experimentado.
Sin embargo, la grandeza de la obra es que refleja y trasciende ese sufrimiento, convirtiendo a sus figuras centrales en testigos y víctimas, esperando una salvación que nunca llega, pero que continúa sobreviviendo, soportando y luchando a medida que los días se suceden y los días terminan y “no hay nada que hacer”.
Aquí, cuando se levanta la cortina azul de seguridad, la pendiente del decorado de Rae Smith, estéril como un paisaje lunar o las secuelas de una guerra, en realidad gira y pone énfasis en la naturaleza circular e interminable de los días de Didi y Gogo. La Gogo de Msamati se sienta a un lado, calzándose una bota. La Didi de Whishaw está de pie bajo un árbol plateado y estéril, con plástico destrozado colgando de sus ramas desnudas, mirando hacia arriba, hacia un cielo oscuro.
Los vagabundos son en gran medida hombres sin hogar, con una variedad de ropa sucia y mal ajustada muy diferente de los grandes abrigos y sombreros a juego que usaban Patrick Stewart e Ian McKellen cuando se hicieron cargo de la obra en este mismo lugar en 2009. No son payasos, pero la teatralidad de la obra se conserva por la forma en que los personajes miran al público en algunos momentos, implicándonos a nosotros y a nuestras decisiones morales en el “osario” que el mundo ha creado.
Tanto la producción como los actores diferencian a los dos hombres de forma hermosa. Gogo, interpretado por Msamati, con los pantalones caídos y un sombrero con solapas de piel, es un pragmático realista, mientras que Didi, interpretado por Whishaw, que se pone y se quita constantemente el gorro con pompón, parece flotar como un filósofo flaco, con los tobillos cruzados, los brazos cruzados y un dedo pensativo en los labios temblorosos. Con un ritmo exquisito, encuentran nuevos caminos a través de líneas familiares (las pequeñas pausas de Whishaw, la ironía monótona de Msamati) que hacen que el lenguaje sea poético y musical, pero siempre naturalista.
Es un notable ejercicio de equilibrio que les permite iluminar la riqueza de pensamiento que recorre la obra, tema de mil tesis, pero que parece nuevo. También transmiten constantemente, mediante pequeños toques y miradas, el afecto y la cercanía de los dos hombres. Pueden amenazar con separarse, pueden incluso creer que estarían mejor solos, pero están unidos el uno al otro por lazos de conocimiento y necesidad.
Cuando su rutina diaria de espera de Godot –una frase que nunca pronuncian dos veces con la misma entonación– se ve interrumpida por la llegada de otra pareja simbiótica, el amo Pozzo (un Jonathan Slinger furioso, feroz y urbano, vestido como un hacendado rural) y su esclavo Lucky (Tom Edden, deslumbrante y desgarrador tanto en la comedia de su silencio como en su único y torrencial estallido de palabras), se aferran juntos conspirativamente, tratando de sopesar qué hacer.
Cuando la pareja reaparece en el segundo acto, con Pozzo ahora ciego y Lucky mudo, McDonald juega con la comedia física del colapso del cuarteto en el escenario, convirtiendo sus movimientos en una especie de danza del caos, los eventos y sus palabras haciendo pasar el tiempo, alejando la desesperación.
El paso del tiempo es una de las principales preocupaciones de Beckett en este purgatorio donde nada se recuerda y nada permanece y la iluminación de Bruno Poet marca el descenso del día a la noche en tonos fríos, un rojo intenso que cambia el paisaje sólo cuando llega el Niño para anunciar la no llegada de Godot.
Toda la producción tiene esa misma claridad y reflexión, una manera de poner de relieve el lenguaje y la filosofía de Beckett de maneras que la hacen a la vez profundamente divertida e infinitamente triste, que te obligan a escuchar y reflexionar. Maravilloso.
