Cualquiera que haya visto el devastador de Gary Owen Iphigenia en Splott Lo que llevó la tragedia griega a Cardiff y giró la noción de sacrificio en su cabeza, sabrá que es un hombre con una manera audaz con una vieja obra.
Él, y la directora Rachel O’Riordan, han logrado el mismo truco con Henrik Ibsen’s Fantasmastransformando una historia embrujada e inquietante de pecado familiar y dolor en una montaña rusa salvaje de revelación y realización. Es divertido, impactante, sincero y, en última instancia, supremamente conmovedor.
Hay problemas claros con la actualización de este clásico en particular, cambiándolo desde su entorno victoriano medio hasta la actualidad. El punto de partida es más o menos el mismo: una mujer está dotando una base de caridad, aquí un hospital para niños enfermos, a nombre de su difunto esposo. A medida que avanza la obra, la reputación tóxica de ese hombre emerge, el pasado pone su mano dura en el presente, y al final, todo es cenizas.
Cuando se realizó por primera vez en 1882, la obra causó un escándalo debido a su tratamiento de la sífilis, la forma en que un hijo es literalmente maldecido por el legado de su padre. Hoy en día, ese problema particular podría resolverse con los antibióticos, pero Owen ha alterado hábilmente la trama para que sea tan inquietante y confrontante en un entorno contemporáneo.
Lo fascinante es ver esto con una audiencia que no sabe lo que viene. La sorpresa vocal a medida que surge cada giro a veces es inquietante, pero hay una sensación de que se juega un drama vital, no una obra maestra histórica. Se siente vivo.
Merle Hensel crea un entorno perfectamente juzgado: el tipo de sala de estar anónima habitada por los súper ricos, con una mesa de bebidas en un lado y un gran sofá en el centro. Las paredes están empapeladas en huellas de pantalla de una presencia masculina, de regreso a la cámara, cabeza calva, cuello con forma de toro y hombros anchos que se avecinan como Alfred Hitchcock.
La ventana de la imagen en la parte posterior está llena de niebla constante y giratoria. Esta es tanto una representación literal del clima en este lugar, “excepto dos semanas en junio”, y metafórica, evocando la sensación de que cada personaje está a tientas por la verdad sobre sus propias vidas y sentimientos. La magnífica iluminación de Simisola Majekodunmi y un diseño de sonido de Donato Wharton con música de Simon Slater Chart, los cambios claustrofóbicos en el estado de ánimo.
En el corazón de esta sala se encuentra Helena de Victoria Smurfit, viuda del Capitán, Benefactor del Hospital, propietaria de todo lo que encuesta. Al principio, Smurfit es casi como una esfinge, ya que arroja sus brazos a través del sofá, poseído y misterioso, brutalmente en control mientras argumenta con Andersen (Rhashan Stone), un administrador de su organización benéfica y una vieja llama, sobre si las “indiscreciones” de su difunto esposo “con las mujeres jóvenes ahora lo debilitan por tener una base en su nombre.
Poco a poco, sin embargo, el estado de ánimo se desliza y espirales. Su hijo descontento Oz (Callum Scott Howells) ha llegado a casa, lleno de ira y dolor; Su asistente Regina (Patricia Allison) quiere un nuevo trabajo; El padre de Regina, Jacob (una gruñida, fundada, Deka Walmsley) tiene su propia agenda. Bajo todo, está el dolor y la destrucción forjados por el padre muerto, la necesidad de cada personaje para encontrar su propia esperanza en medio de los restos que ha creado.
El largo primer acto es sumamente divertido. Howells es magnífico como Oz, un actor fallido con un “toque para los dramáticos” que flotan y mordidas, pero nunca esconde de manera completamente exitosa su anhelo desesperado por el amor. Aterre cada línea, por sorprendente que sea molesto, con un estilo extraordinario, generando jadeos y risas en el mismo aliento. “He hecho algo que el porno piensa que no está bien”, llora.
En la segunda mitad, las realizaciones son más lentas y más satisfactorias. La versión de Owen de esta gran obra esencialmente examina es el efecto en los sobrevivientes de vivir con un monstruo, si el sentido de una víctima de lo que es aceptable se vuelve borrosa. A medida que aumentan las apuestas, la obra va más profunda, mirando el trauma, la culpa y el perdón.
Cada actor se eleva al desafío: Stone camina una línea brillantemente controlada entre santonioso y comprensivo, Smurfit deja que cada vez más dolor emergen de su control congelado, Allison y, sobre todos, los Howells lidian dolorosamente con una sensación de vidas arruinadas antes de que incluso hayan comenzado. La dirección tensa de O’Riordan nunca deja que la tensión, o la sensación de la humanidad herida se afloje. Sospecho que Ibsen habría estado orgulloso.
