Ambientada en Belgravia en la década de 1920, la primera obra de Noël Coward examina el matrimonio, la ambición y la rivalidad artística a través de Sheila Brandreth (interpretada por Lily Nichol), una talentosa novelista, y su marido Keld Maxwell (interpretado por Ewan Miller), un aspirante a dramaturgo. Sobre el papel, tiene todas las características de un estudio agudo e inquietante del ego y la intimidad. En la interpretación, sin embargo, esta reinvención de Bill Rosenfield rara vez supera la inercia educada.
El talento de Coward para el diálogo es evidente en todo momento. Entiende cómo las parejas hablan de la verdad, cómo el afecto y el resentimiento pueden resultar incómodos en el mismo intercambio. Keld de Miller captura esto bien, apoyándose en la importancia personal y el derecho creativo del personaje sin caer en la caricatura. Frente a él, Nichol aporta inteligencia y moderación a Sheila, fundamentando el papel con claridad emocional y una tranquila dignidad que hace gran parte del trabajo pesado. Hay destellos en los que el ingenio de Coward realmente brilla, pero permanecen frustrantemente desconectados de una narrativa que nunca sabe hacia dónde se dirige.
Desde el principio, la tensión se convierte en un zumbido bajo y constante, pero nunca aumenta. Las escenas se desarrollan, las conversaciones se repiten y, sin embargo, la temperatura emocional permanece obstinadamente tibia. A pesar de las hábiles contribuciones de Daniel Abbott como Edmund Crowe, Gina Bramhill como Olive Lloyd-Kennedy, Zoe Goriely como Ruby Raymond y Ailsa Joy como Naomi Frith-Bassington, la historia gira en torno a sus temas en lugar de profundizarlos. Empiezas a sospechar que no va a pasar nada particularmente importante. Esa sospecha no está fuera de lugar.
Sin desvelar demasiado, el final llega con un ruido sordo en lugar de un dolor. Después de una extensa discusión sobre los horrores de la paternidad, la revelación final se siente menos como un giro provocativo y más como un encogimiento de hombros poco imaginativo. Para ser una obra tan preocupada por la ambición, la traición y la insatisfacción, curiosamente no le interesan las consecuencias dramáticas. Coward pasa gran parte de la velada advirtiéndonos de algo terrible, sólo para ofrecernos el equivalente teatral de una bengala húmeda.
Las opciones de producción contribuyen poco a animar el proceso. El diseño de escenografía y vestuario de Libby Watson recuerda vagamente a la década de 1920, pero de una manera que se siente más como una “mesa de humor” que como una especificidad de un período. Todo parece útil, pero nada parece considerado. Los chirridos audibles del telón durante los cambios de escena desvían repetidamente la atención de la acción, lo que dificulta permanecer inmerso cuando la mecánica de la puesta en escena se anuncia con tanta fuerza.
Una de las incorporaciones más exitosas de la producción es Burrage, la sufrida criada, interpretada con ingenio seco por Angela Sims. La total falta de interés de Burrage por la autoridad masculina y su lealtad hacia las mujeres de la casa proporcionan un raro momento de ligereza y un humor silenciosamente subversivo que aterriza de manera mucho más efectiva que gran parte del drama circundante.
Y éste es, en última instancia, el problema. Individualmente, los ingredientes son fuertes. El reparto es uniformemente bueno, pero de alguna manera los elementos nunca son coherentes.
Esta es una obra con promesa literaria y momentos de brillo verbal, pero que se siente dramáticamente inerte en su ejecución. A pesar del ojo perspicaz de Coward para las relaciones, la producción nunca genera suficiente impulso o peso emocional para justificar su duración. Lo que debería parecer un retrato cortante de un matrimonio creativo, en cambio, pasa a la deriva, dejándote no devastado, conmocionado o iluminado, sino simplemente preguntándote cuándo podría comenzar finalmente.
