La crítica londinense de WhatsOnStage, Sarah Crompton, ha elegido sus programas favoritos de 2025: una mezcla heterogénea de nuevas obras, reposiciones de clásicos, musicales y más. En un año para que una comunidad teatral encuentre su lugar en un siglo turbulento, ¿con cuál de ellas está de acuerdo?
Ha sido un año fascinante en el teatro y, mientras hago mi lista de favoritas, soy, como siempre, consciente de todas las obras que me he perdido y de todas las que he disfrutado. Espero atrapar algunos de esos – Puñetazo por James Graham, el RSC Kiotoy la adaptación de Roy Williams de Los londinenses solitarios cuando luego sean revividos el próximo año. Por ahora, estas son las noches de 2024 que se han quedado conmigo más vívidamente.
10. Rey Lear, Almeida
La producción de Yaël Farber fue un trabajo largo y oscuro, pero también fue una de las producciones más claras y reflexivas de Rey Lear Lo he visto alguna vez. El Lear de Danny Sapani fue feroz y logró sugerir tanto un tirano doméstico como público y un hombre que teme estar tomando algunas decisiones terribles. Sus hijas, Gloria Obianyo, Akiya Henry y Faith Omole, están convencidas como familia que lucha contra la violencia doméstica. Pero lo mejor de todo fue la forma en que Farber trató a Clark Peters’ Fool, poniendo su tranquila presencia en el centro de la obra como un fantasma de sabiduría.
9. El Ministro del Gabinete, Fábrica de Chocolate Menier
No revisé la adaptación de Nancy Carroll de la comedia de Arthur Wing Pinero de 1890 sobre un ministro del gabinete acusado de corrupción y su esposa adicta a las compras porque Carroll es un amigo. Pero me emocioné cuando cautivó al público y a los críticos, con Carroll elogiada no sólo por su mordaz adaptación sino también por su hermosa interpretación de la tonta pero atractiva Kitty. La farsa es un género muy difícil de lograr y, sin embargo, todo el elenco logró caminar sobre la cuerda floja con aplomo. El hecho de que se inaugurara en medio del furor por la aceptación de regalos por parte del Partido Laborista y de que estuviera funcionando cuando murió la gran Maggie Smith, una de las farsantes más brillantes, lo hizo parecer aún más relevante.
8. Gigante, Corte Real
La etapa de David Byrne como director artístico de la Royal Court ha comenzado con una confianza tremenda mezclando lo experimental (azules), lo inusual (corsé, corsé) y la vieja escuela en esta primera obra del director Mark Rosenblatt, sobre Roald Dahl y sus opiniones antisemitas. Fue audaz, vigorizante e intensamente relevante, y reveló la forma en que la defensa de los palestinos por parte de Dahl durante la guerra del Líbano de 1982 se endureció hasta convertirse en algo más feo. También contó con una extraordinaria actuación central de John Lithgow que convirtió a Dahl en un monstruo de inmenso encanto, hábilmente apoyado por Elliot Levey, Romola Garai y Rachael Stirling, con la dirección de Nicholas Hytner quien, al igual que Lithgow, estaba haciendo un tardío debut en la Corte Real.
7. El violinista en el tejado, teatro al aire libre de Regent’s Park
En el episodio del podcast WhatsOnStage que acompaña a este artículo, nuestro editor en jefe Alex Wood me roba esto como una de sus elecciones. Quizás fue la sorpresa del año, absolutamente reveladora por la franqueza y simplicidad del enfoque del director Jordan Fein. El decorado, de Tom Scutt, que protegía a los aldeanos bajo una rampa curva cubierta de maíz, fue quizás mi favorito del año; el momento en que Chava, la hija de Teve, tocó el clarinete junto al violinista mientras deja su casa para siempre fue asombrosamente emotivo. Todo fue una gloria.
6. = Edipo, Teatro Wyndham
Una obra del pasado se convirtió en un texto para todas las edades en la mordaz adaptación contemporánea de Sófocles de Robert Icke. Presentó al Edipo de Mark Strong como un político fuerte y confiado al borde de una gran victoria la noche de las elecciones y luego permitió que su obsesión excesivamente confiada por descubrir la verdad lo despojara de todo, dejándolo acurrucado en el suelo. La tensa puesta en escena de Icke, marcada por el reloj que avanzaba hasta el momento exacto de la revelación, fue impulsada por una serie de actuaciones poderosas, particularmente Yocasta de Lesley Manville y Merope de June Watson, ambas enrolladas como resortes con el conocimiento reprimido de un pasado terrible.
6. = El Otro Lugar, Teatro Nacional
Justo cuando creías haber visto la tragedia griega definitiva del año, llegó otra para desafiar su capacidad de hacer que el sufrimiento humano hable a través de los siglos. La versión de Alexander Zeldin Antígona La historia convirtió una epopeya de entierro y batalla en una saga familiar de secretos ocultos y un dolor terrible y abrumador. Era casi insoportable por la necesidad y la profunda tristeza que descubrió, que cobró vida devastadora gracias a un elenco encabezado por Tobias Menzies y Emma D’Arcy. Como en Edipohubo jadeos a medida que se desarrollaba la trama: un tributo a la vitalidad de las historias y sus adaptaciones realizadas por dos de los escritores y directores más brillantes de la actualidad.
Escuche a Crompton y al editor en jefe Alex Wood discutir sus elecciones a continuación:
5. Esperando a Godot, Teatro Royal Haymarket
Otro shock. El director James Macdonald trató el drama de Samuel Beckett de 1953 no como una obra maestra, o como la obra que cambió el teatro para siempre, sino simplemente como una obra brillante y la dirigió con tanta sensibilidad y ternura que gradualmente surgieron nuevas ideas. Con la ayuda de la pareja perfecta de Lucian Msamati como un pragmático Gogo y Ben Whishaw como un melancólico Didi, la producción encontró el amor y la resistencia en el corazón de una historia de espera inútil.
4. Natasha, Pierre y el gran cometa de 1812, almacén Donmar
El mejor musical nuevo del año llegó en sus últimos días cuando el ingenioso y luminoso riff de Dave Malloy en 70 páginas de Guerra y paz Finalmente consiguió un estreno en el Reino Unido. Dirigida por Timothy Sheader, en su primera producción como director artístico de Donmar, es una notable mezcla de sofisticación, gran emoción, canciones gloriosas y profunda tontería. El número inicial que etiqueta a los jugadores clave – Natasha (joven), Sonya (buena), Anatole (caliente) – es tremendamente divertido; El final cuando Pierre ve el gran cometa del título y se da cuenta de lo que significa para él, algo profundamente conmovedor. Increíblemente bien cantado por todo el elenco, es un éxito absoluto.
3. Querido Pulpo, Teatro Nacional
La directora Emily Burns ha tenido un año notablemente bueno; su producción de El trabajo de amor está perdido que abrió el mandato de Tamara Harvey y Daniel Evans en la Royal Shakespeare Company fue un modelo de claridad y buena diversión. Y su reposición de la obra de Dodie Smith de 1938 sobre la familia Randolph –que no se había visto en Londres desde hacía 50 años– fue una absoluta revelación. Esta fue una obra que alguna vez fue muy querida y muy citada en mi propia familia, pero pasó de moda gracias a su enorme elenco y su estructura holgada. No sucede mucho, pero dentro de la historia de una familia que celebra un aniversario de bodas de oro para una generación y una generación más joven que de repente logra el amor, hay una gran cantidad de detalles emocionales y sociales, todos bella y sutilmente traídos a la vida. Burns es un director que hace cambios sólo al servicio de la obra y deja que las palabras hablen. Fueron pronunciadas maravillosamente por un elenco que incluía a Lindsay Duncan y un excepcional Billy Howle.
2. Hasta que las estrellas bajen, Teatro Nacional
Soy consciente de que esta lista es pesada para el Teatro Nacional, pero el final de la etapa de Rufus Norris como director artístico ha traído algunas joyas que concuerdan perfectamente con mi propio gusto. Me encanta la escritura de Beth Steel desde hace mucho tiempo, y esta obra sobre una boda que se derrumba bajo el peso de pasiones terribles reveladas y tensiones familiares rotas es una gloria. La precisión de la escritura, la forma en que capta el corte y el empuje de las mujeres hablando entre sí, es poco común. La vívida dirección de Bijan Sheibani aumentó la sensación de complicidad, de que se trataba de personas que podríamos conocer y que luchaban con problemas que podríamos experimentar. Lorraine Ashbourne realizó una interpretación devastadoramente divertida como la tía entrometida (y cada vez más borracha). Se puede ver en National Theatre at Home para quienes se lo perdieron.
1. Los Años, Teatro Almeida
Otra obra de teatro sobre mujeres. O al menos una sola mujer como representante de todos nosotros. En esta asombrosa adaptación realizada por Eline Arbo de las memorias de Annie Ernaux sobre su vida desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad, cinco actrices excepcionales: Garai (su segunda aparición en la lista), Deborah Findlay, Anjli Mohindra, Gina McKee y Harmony Rose-Bremner – interpretó a la mujer en diferentes momentos de su vida. Contaban la historia de su infancia, de su crecimiento en los años 60, de un terrible aborto, de maternidad, de amantes y pérdidas, de felicidad y tristeza. La narración fue fluida y fluida, ya que las mujeres adoptaron los roles de diferentes personajes, de comentaristas y de protagonista. Fue increíblemente conmovedor y fascinante. En el público, las personas –hombres y mujeres– se inclinaron hacia adelante con absoluta empatía, reconociéndose a sí mismos y reconociendo aspectos de sus propias vidas en la narración que se desarrollaba. Lo vi en una sesión matinal lluviosa; su poder cambió la temperatura del día. Es un ejemplo excepcional del poder comunitario del teatro y su capacidad para abarcar mundos en un espacio diminuto. Gracias a Dios, se revivirá en el Teatro Harold Pinter a partir del 24 de enero. Significa que puedo verlo de nuevo.
