Nada data tan rápido como la vanguardia. El dramaturgo rumano francés Eugène Ionesco fue una de las figuras clave del teatro del siglo XX, un pionero de lo que se conoció como Teatro del Absurdo, un estudio regular para los estudiantes de nivel A y más allá.
Cuando Rinoceronteescrito en 1959, inaugurado en la Royal Court de Londres un año después, protagonizó a Laurence Olivier y Joan Plowright, parte de una ola de obras de teatro que cambian junto a las de Samuel Beckett y Harold Pinter. Sin embargo, no se ha visto aquí desde un avivamiento en 2007.
La nueva producción de Omar Elerian en el Almeida es un intento bienvenido de reevaluar una obra de teatro sobre el conformismo. Aunque ampliamente vista como una crítica del fascismo de la posguerra, su tema general sobre el individuo y el rebaño, sobre la necesidad de hablar y ponerse de pie, no podría ser más oportuno. No necesita referencias aprobadas a multimillonarios tecnológicos que desean colonizar a Marte para que se sienta actualizado.
Como traductor y director, Elerian ha agregado una capa adicional de complicación a la historia de un pequeño pueblo francés donde todos se convierten en un rinoceronte, aparte del descuidado berenger (ṣọpẹ́ dìrísù, de Pandillas de Londres fama), quien afirma su derecho a resistir. Elerian enfatiza la forma en que la parábola se desarrolla en un teatro al presentar la figura de un narrador (el maravillosamente irónico Paul Hunter) que comienza la noche al liderar a la audiencia en los juegos de gestos de mano.
La suspensión voluntaria de la incredulidad en la que se compromete la habitación se subraya aún más por la forma en que el narrador lee las instrucciones del escenario de Ionesco. Un elenco de un conjunto excelente, que también incluye a Anoushka Lucas y Joshua McGuire, se encuentra en un minimalista, blanco y blanco establecido por Ana Inés Jabares-Pita y mime la escena descrita. Más tarde, se reúnen en las mesas a un lado, trabajando como artistas de Foley, agregando efectos al paisaje sonoro cada vez más siniestro de Elena Peña.
Los resultados de esta manipulación consciente a menudo son muy divertidas: las mesas suspendidas en sus manos, un poco tropezando con un paso o un giro en la dirección equivocada, la ligera mirada de sorpresa de Dìrísù cuando su mano levantada hace que el sonido de la puerta golpee en la puerta. Este enfoque estilizado continúa cuando aparecen por primera vez el rinoceronte. Los kazoos, entregados a la audiencia, significan las transformaciones: nuestra imaginación debe hacer el resto.
La desventaja de este enfoque es que hace una jugada difícil de manejar aún más y establece su humor a su alrededor, en lugar de surgir del guión. Los grandes tramos de debate sobre la naturaleza filosófica de lo que está sucediendo, los discursos de lógicos, abogados, personas con la ciudad, todos rodean sin cesar sobre los mismos argumentos, y aunque el punto general de Ionesco está claro desde el principio, se aleja de las diferentes formas en que las personas se rinden su individualidad.
Sin embargo, lo que lo hace convincente son actuaciones que se involucran completamente con el mundo que están creando. Alan Williams, Sophie Steer, John Biddle, Hayley Carmichael y Hunter revelan un momento cómico preciso y cabello salvaje en sus muchas intervenciones como parte del conjunto. Lucas es encantadora como una margarita excéntrica, en un momento que se rompió en una canción de amor en italiano, presumiblemente solo porque puede, haciendo su última concesión al estado de ánimo general todo el más triste. Como el mejor amigo de Berenger, Jean, el sofisticado yin a su yang desaliñado, McGuire tiene los ojos muy abiertos y divertidos, su transformación física en un rinoceronte, el único que vemos, se logra bellamente.
Pero depende de Dìrísù sostener el centro de la obra, y lo hace con una gravedad aturdida, una sensación constante de desconcierto de movimiento lento mientras intenta entender por qué el mundo ve algo tan diferente de él. “Tenemos nuestros propios valores morales que son incompatibles con los de estos animales”, argumenta suavemente. Él traza apasionadamente y poderosamente el arco final de la obra, donde el escenario se oscurece y se llena de humo, dejando a Berenger asustado y solo, pero aferrado a la sensación de que no debe rendirse.
Es una excelente imagen final en una producción que nos recuerda inteligentemente el mensaje importante y complejo de la obra, sin resucitar su impacto como un drama innovador.
