El cuento de invierno es uno de ese extraño grupo de obras de Shakespeare que desafía la categorización, y como tal es a menudo uno de los favoritos de los directores que desean superar los límites con sus interpretaciones del bardo. En este caso, es sudafricano Yaël Farber, haciendo su debut en RSC, quien busca dejar una marca con su visión oscura y melancólica del realismo mágico.
Ciertamente tiene los ingredientes alineados, desde un diseño de set (Soutra Gilmour) en el que el escenario está rodeado de agua, con no uno sino dos gumos, y está volado en todo momento por una luna giratoria gigante, a un subrayador vibrante por el compositor Max Perryment que literalmente nunca se detiene durante todo el tiempo de ejecución de dos y media hora de la hora. Hay una iluminación sombría, casi triste, de Tim Lutkin, los disfraces de Gilmour son casi exclusivamente monocromáticos y monótonos, y algunos cantos y bailando de otro mundo de un conjunto de rústicos salpicados de barro.
Pero mientras que las imágenes estéticas y etéreas distópicas prometen muchas franjas de hielo seco y un pozo de fuego formidablemente impresionante, como la música, realmente nunca van a ninguna parte, y te queda un sentido de estilo primordial sobre la sustancia. Ciertamente, la historia sufre en esta narración, con los catastróficos celos del rey Leontes saliendo de la nada y las consecuentes tragedias se implementan en una monótona de emociones invarorizantes.
La teatralidad siempre eclipsa las actuaciones, y el actor tras actor se queda luchando por ser escuchado, a pesar de que todo se está micrófone, o luchando para hacer que sus líneas sean inteligibles. La entrega rápida de muchos más obstaculiza el flujo de la narrativa.
Aquellos que mejor emergen son Madeline Appiah como la reina Hermione de accesorios incorrectamente, que mantiene la dignidad regia que sean los desastres que se le arrojan, y Matthew Flynn como el desafortunado asesor real Antigonus, cuya salida, persiguiendo por un oso, es uno de los más famosos de todos los Shakespeare. Flynn habla con claridad y peso, que lamentablemente no se puede decir de todos en el escenario.
Leontes de Bertie Carvel es una actuación inquieta y angustiada que de alguna manera nunca transmite a un monarca angustiado y penitente que ruee su locura, mientras que Trevor Fox, una adición tardía al Cast como el Autolycus Roguish, lleva un aire de Geordie Melancholy que amplifica aún más el ambiente de baja. Como casi todo lo demás en la producción, ambos están bien, pero dice mucho para las prioridades de la producción de que la luna está eclipsando constantemente.
Se ve y suena impresionante, hay un trabajo particularmente excelente en el percusionista Kev Waterman, y hay algunas ideas que ciertamente tienen un reflejo más profundo, incluido el claro énfasis en temas como la maternidad, la pérdida y el arrepentimiento. Pero el empuje de los límites solo parece llegar tan lejos como el sonido y la furia, y la confección resultante, aunque apenas no significa nada, se siente como una oportunidad perdida.
