Bajo la madera de leche comienza como una especie de utopía teñida de azul y al revés, donde los durmientes flotan desde los tejados polvorientos hasta las calles adoquinadas, revelando los sueños de Llareggub antes de que el sol se vuelva hacia adentro sobre la memoria, el zumbido y las verdades de sus habitantes. Ciertamente no sin imperfecciones, lo que se desarrolla es un impresionante collage de un solo día.
En el escenario del Theatr Clwyd, las cabañas se encuentran pisoteadas bajo un mar de voces, respaldadas por una lluvia de estrellas y una puesta de sol en el idílico escenario del libro de cuentos de Hayley Grindle. Bajo la dirección de Kate Wasserberg, la producción destaca su variedad de representación a través de un conjunto inclusivo y talentoso, y durante sus dos horas de duración, la energía nunca disminuye.
El primer acto en particular se siente como un pastiche celta, firmemente arraigado en la cadencia, el caos y la comunidad galeses, transmitido a través de canciones y palabras habladas. Si no está familiarizado con el trabajo de Dylan Thomas, la inmersión inmediata en su narrativa trepidante y entretejida puede resultar desorientadora y es posible que se pasen por alto matices inteligentes, como los gritos de Jack Black de “¡Ach y fi!”, una exclamación galesa de disgusto que el público anglófono tal vez no capte. Sin embargo, el elenco da forma a cada personaje con tal convicción que lo que puede parecer difícil de alcanzar pronto se apodera de él.
Lo que queda muy claro es que la acción no reside en la trama, sino en el lenguaje de Thomas. Un elenco de 11 personas dan vida a sus escritos con brillo texturizado, llevándolos con ritmo y musicalidad. Entre los alrededor de 60 personajes, destacan especialmente Rosie Probert (Mirain Fflur), cuyo tono melancólico perdura, una señora Pugh estridente y con volantes en manos de Amy Conachan, y el lobo de mar Capitán Cat de Douglas Walker. A pesar de que cada miembro del elenco se mueve colectivamente entre sus roles, son estos habitantes los que dejan la impresión más profunda, y sus historias envían cartas metafóricas de hiraeth. Un breve problema técnico con el sonido interrumpe una o dos veces esta inmersión, pero es fugaz y la producción recupera rápidamente su control.
La primera mitad se siente más prolongada que la segunda, ya que la gente del pueblo se deshace de sus sueños y vuelve a sí misma. Macsen McKay insufla una vida fresca e inquietante al Sr. Pugh, quien parece no haber abandonado por completo su paisaje onírico, sino que se retira al laboratorio de su mente, donde juega con visiones oscuramente cómicas de la desaparición de la Sra. Pugh. Esto crea un alivio momentáneo y oscuramente cómico antes de sumergirnos en el mar lleno de dolor que se asienta debajo de la ciudad, que tan hábilmente representa este conjunto.
La danza de voces se refina aún más a través de un vídeo onírico del encantador diseño de Joshua Pharo y Sarah Readman, y un paisaje sonoro de otro mundo de Liam Quinn. La Primera y la Segunda Voz revolotean en el fondo del escenario con subtítulos bellamente representados, el texto mismo gira y se disuelve como ceniza y polvo, ofreciendo poesía visual y un hilo conductor a través de la historia. Debajo, un paisaje sonoro en capas de relojes que hacen tictac, olas distantes, cuerdas y risas dispersas crea una cacofonía inquietante que te traslada directamente al corazón de Llareggub.
Por su escala y ambición, esta puesta en escena de Bajo la madera de leche es una producción mágica que extrae algo luminoso de lo cotidiano, permitiendo que lo ordinario brille. El ritmo nunca decae, los personajes viven plenamente en escena pese a que nunca hay suficientes cuerpos a la vez, y la ilusión de un pueblo entero se sostiene con notable facilidad. Es, sencillamente, una pieza bellamente realizada, segura de su visión y profundamente en sintonía con el lenguaje de Thomas, que perdura mucho después del anochecer.
