vidrio roto fue escrita en 1994, cuando su autor, Arthur Miller, tenía 79 años. Sus grandes días como dramaturgo entre 1947 y 1955, cuando produjo todos mis hijos, Muerte de un vendedor, El crisol y Una vista desde el puente en rápida sucesión, estaban muy detrás de él.
vidrio roto Se siente como la última afirmación de su papel como dramaturgo moral, uno de los gigantes que dicen la verdad y luchan por las ideas del teatro estadounidense, una advertencia contra el aislacionismo y la falta de coraje. Sin embargo, también es una obra atormentada por la culpa personal, un examen final casi febril de su propia identidad judía y sus actitudes hacia las mujeres.
Tiene tantas ideas fluyendo a través de ella que no siempre es coherente, pero la producción audaz y no naturalista de Jordan Fein (la primera de una obra consecutiva después de El violinista en el tejado y En el bosque) lo concentra en un estudio intenso de los peligros de ignorar el mundo que te rodea y lo que ves en el espejo.
El vaso del título tiene muchos significados, pero es más específicamente el vidrio roto de la Kristallnacht, el momento en 1938 en que el partido insurgente nazi en Alemania derribó tiendas y edificios judíos, dejando las calles cubiertas de fragmentos y emitiendo la advertencia más fuerte al mundo sobre las intenciones asesinas de Hitler.
Al leer informes de la atrocidad en los periódicos en su cómoda casa de Brooklyn, una mujer judía estadounidense llamada Sylvia Gellberg (Pearl Chanda) queda literalmente paralizada por el miedo, incapaz de mover las piernas. La obra gira en torno a los intentos del poco convencional médico socialista Hyman (Alex Waldmann) de curarla y deshacer su relación con su marido Phillip (Eli Gelb), quien niega constantemente su judaísmo mientras intenta ganarse el favor de su jefe Wasp (Nigel Whitney).
Fein y su diseñadora Rosanna Vize colocaron la pieza en el equivalente a la sala de espera de un médico, donde el elenco se sienta en los mismos bancos maltratados con cojines color beige que el público. Una hilera de relojes que muestran la hora en Londres, Berlín, Beijing y Tokio están clavados en una fea pared de felpa de color violeta, sobre una ventana oblonga, donde a veces los personajes se paran contemplando la acción. Un pez dorado nada en su pecera y su tamaño cambia a medida que se mueve.
La iluminación blanca y plana de Adam Silverman coloca al público y a los protagonistas en el mismo espacio, hasta que se oscurece en melancólicos charcos de poca luz mientras Sylvia explica lentamente sus sentimientos. Chanda, convincentemente inmóvil, teje un hechizo casi hipnótico mientras la enredada red de emociones se desata lentamente.
Grandes montones de periódicos, tanto contemporáneos como históricos, se alinean en los asientos, destacando que, aunque la obra se desarrolla en el pasado, fue escrita en el contexto de la guerra de Bosnia y todavía habla hoy. Nadie puede entender por qué Sylvia está tan molesta. “Está al otro lado del océano, ¿no?” dice su hermana Harriet, comprensiva pero incomprensible (una actuación maravillosamente ocupada de Juliet Cowan). El punto de Miller es que quizás todos deberíamos serlo.
El problema es que agrega muchos otros puntos en el camino, entre ellos los métodos de tratamiento poco éticos del Dr. Harry (“Imagínese que hemos hecho el amor”) y su propia relación complicada con su esposa Margaret (Nancy Carroll, cortante y estupenda), quien cumple el papel de ser el único personaje que ve todo con claridad. “Eres como un panel de vidrio, Harry”, le dice a su marido.
En el centro de todo está Phillip, que se odia a sí mismo, cuyo concepto de lo que significa ser un hombre judío en una sociedad antisemita lo ha llevado a desperdiciar toda su vida. Gelb, tan bueno como ingeniero de sonido relajado en Estereofónicoes igualmente extraordinario aquí, ya que le otorga a Phillip un físico abotonado que encuentra liberación en los hombros temblorosos, los pequeños gestos nerviosos con las manos y el mentón doblado. Comienza como un gran matón pesado (comprándole pepinillos a Sylvia como un torpe gesto de amor y luego golpeándolos ferozmente mientras se desarrolla una historia de violencia pasada) y termina como un niño asustado.
El momento fantasmagórico en el que la producción se desliza aterradoramente hacia otra dimensión y de repente él se identifica con el sufrimiento de los judíos alemanes es realmente impactante.
La cuidadosa dirección de Fein sostiene y refuerza las emociones y pensamientos de la obra en una producción que siempre es apasionante y, a menudo, devastadora. Es una obra complicada, pero importante, convincente por la riqueza de sus preocupaciones.
